Howard Hawks vino al mundo en Goshen, Indiana, el 30 de May de 1896. Nacido en una familia rica de Wisconsin, su padre era miembro de la familia más prominente de Goshen, propietarios de Goshen Milling Co. y muchos otros negocios, y su abuelo materno fue uno de los principales industriales de Wisconsin. Tuvo una infancia y adolescencia próspera y desarrolló un espíritu de aventura que lo llevó a dedicarse apasionadamente al automovilismo, la aviación y la caza. Hawks fue enviado a la Academia Philips Exeter en Exeter, New Hampshire, para su educación, y al graduarse asistió a la Universidad de Cornell donde obtuvo el título en ingeniería mecánica, y luego se mudó a los Ángeles, donde un amigo lo introdujo en el cine. Hawks recordó: "Todo comenzó con Douglas Fairbanks, quien estaba en el set para tomar una foto y llamó por teléfono para decir que querían un set moderno. Sólo había un director de arte... y estaba ausente en otro lugar. Le dije: 'Bueno, puedo construir un conjunto moderno. Había tenido algunos años de formación arquitectónica en la escuela. Así que lo hice, y Fairbanks quedo satisfecho con eso. Nos hicimos amigos, y ese fue realmente el comienzo". En 1917, Hawks estaba en el set de la película “A Little Princess”, en la que para la época, novia de Fairbanks, Mary Pickford, actuó. En un momento de indisposición del director Marshall Neilan, por consejo de Douglas Fairbanks, le pide a Hawks que dirija la escena final. Después de una primera vacilación, aceptó. Después de servir durante la Primera Guerra Mundial, en 1922 Howard Hawks fue contratado por Paramount como guionista, para volver de nuevo, y oficialmente esta vez, detrás de la cámara y se le encomendó la tarea de escribir 40 líneas argumentales para nuevas películas en 60 días. Compró los derechos de obras de autores establecidos como Joseph Conrad y trabajó, en su mayoría sin acreditar, en los guiones de aproximadamente 60 películas. Hawks quería dirigir, pero Paramount se negó a satisfacer su ambición. Sin embargo, un ejecutivo de Fox lo hizo, y Hawks dirigió su primera película, “The Road to Glory” (1926) y también como guionista. Su primer éxito fue “A Girl in Every Port” (1928) en la que dirigió a la estrella silente Louise Brooks. Después de dirigir ocho películas mudas, tuvo la primera gran oportunidad de su carrera cuando el productor y millonario Howard Hughes le encargó dirigir “Scarface” (1932). La película, rodada en 1930, escenificó la historia del gángster Tony Camonte, interpretado por Paul Muni, pero debido a una serie de temas de censura, solo pudo mostrarse en los cines en 1932. Scarface, su cuarto filme sonoro muestra a Hawks con un dominio y una maestría únicos en el cine de la época. La película, con una audacia visual y sonora fuera de serie y con un estupendo guion de Ben Hetch y el propio Hawks pintaba sin concesiones e indirectamente la figura de Al Capone. Era el nacimiento del cine de gangsters y del cine negro. Scarface abría un camino y sería imitada hasta la saciedad. Hawks desarrollo también de manera magistral las películas de acción y aventura y las comedias. En sus películas de acción y aventuras, como Only Angels Have Wings (1939), el protagonista masculino, interpretado por Cary Grant (un actor favorito suyo que protagonizó con frecuencia sus películas entre 1947 y 1950), es a la vez un héroe y el mejor de su grupo social. En las comedias, como Bringing Up Baby (1938), el protagonista masculino (de nuevo interpretado por Grant) no es un héroe sino una víctima de las mujeres y la sociedad. Las mujeres solo tienen un papel tangencial en las películas de acción de Hawks, mientras que son las figuras dominantes en sus comedias. En las películas de acción y aventura, la sociedad en general a menudo está muy lejos y los profesionales masculinos existen en un mundo casi herméticamente sellado, mientras que en las comedias están arraigados en la sociedad y sus costumbres. Los hombres son constantemente humillados en las comedias, o están sujetos a cambios de rol (el hombre como la presa cazada románticamente en Bringing Up Baby o la inversión de roles aún más dramática, incluido Cary Grant, en I Was a Male War Bride (1949)). En las películas de acción y aventura en las que las mujeres son marginadas, se ven obligadas a someterse a elaborados rituales de cortejo para atraer a su hombre, a quien no pueden conseguir hasta que demuestren ser tan duras como los hombres.

Hawks fue un maestro de las llamadas “screwball comedy”, tipo de comedia “excéntrica” o “alocada” y que encontró su apogeo durante los económicamente deprimidos 30´. La screwball comedy mostraba personajes enredándose en confusiones y romances dentro del contexto de un mundo despreocupado, elegante y económicamente solvente. Estas comedias ofrecieron una de las descripciones más inteligentes sobre la sociedad, la cultura y la moral sexual de una época. Su primer hito fue Twentieth Century (1934), de Howard Hawks y Bringing Up Baby (1938), Hawks de nuevo, que es la screwball comedy por excelencia, y acaso la más trastornada. La batalla entre la atolondrada Kate Hepburn y el distraído Gary Grant es capaz de enseñar más sobre las relaciones entre hombre y mujer que una docena de ensayos bergmanianos al respecto.
Hawks estuvo asociado con películas de acción apasionantes, muchas de ellas relacionadas con la aviación. El vuelo era una pasión de Hawks y el sirvió en la etapa fundacional de la fuerza aérea de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial. Su película más destacada y relacionada con la aviación fue “Only Angels Have Wings”, con Cary Grant. También tuvo éxito con los westerns, especialmente con sus cinco colaboraciones con el actor más famoso del género en esa época, John Wayne. Su primera película juntos fue Río rojo, de 1948, pero su película más aclamada fue Río bravo, de 1959, a menudo considerada uno de los mejores westerns de la historia. Hawks también contó con Wayne en el western El Dorado, de 1966, y en su última película, Río Lobo, de 1970.

La estética visual de Hawks evita el formalismo, la fotografía de trucos o los trucos narrativos. No hay flashbacks ni elipses en sus películas, y sus imágenes generalmente se enmarcan como tomas medias a la altura de los ojos. Las películas en sí están estructuradas con precisión, tanto que Henri Langlois (fundador de la cinemateca francesa) comparó a Hawks con el gran arquitecto Walter Gropius, fundador de la Escuela de la Bauhaus.
Aunque siempre estuvo involucrado en el desarrollo de los guiones de sus películas, Hawks tuvo la suerte de haber trabajado con algunos de los mejores escritores en la historia del cine, incluido su amigo y compañero aviador William Faulkner. Entre los guionistas con quien Howard Hawks trabajo, son de obligada citación, autores cuya frescura, novedad e intrepidez marcaron el pulso del cine clásico de Hollywood. Billy Wilder escribió el sagaz libreto de “Ball of Fire” (1941); Ben Hecht, firmó el guion de “His Girl Friday” (1940) y Leigh Brackett, una guionista excepcional que escribió para Howard Hawks, “The Big Sleep” (1946), Río Bravo (1959), Hatari (1962) o El Dorado (1966), entre otros. Tambien trabajo con Charles Mae Arthur, Jules Furthman, Charles Lederer, Dudley Nichols, Howard W. Koch, John Huston, Charles Brackett, I. A. L. Diamond, Borden Chase, Nunnally Johnson.

Hawks tuvo una asociación personal y profesional con William Faulkner. Como Faulkner amaba volar y como Hawks había perdido un hermano en un accidente aéreo y ambos también les gustaba beber y contar historias juntos, durante 20 años Hawks y Faulkner bebieron, volaron y contaron historias. Una obra maestra del “cine negro” es “The Big Sleep” (1946), dirigida por Howard Hawks quien compró por 20.000 dólares de la época los derechos de la novela homónima de Raymond Chandler. Howard Hawks, quiso contratar a Raymond Chandler como guionista de la adaptación de la novela. Sin embargo, Chandler tenía un contrato de exclusividad con Paramount Pictures. Howard Hawks recurrió entonces a William Faulkner que junto a Leigh Brackett, crearon en menos de un mes el guion de " The Big Sleep ". Otra obra maestra de Hawks con guion de Faulkner es: “To Have and Have Not” 1945. Es en esta película donde se inicia la relación de Humphrey Bogart y Lauren Bacall y la delicosa escena en la que Bacall le dice a Bogart: You don’t have to say anything and you don’t have to do anything. Not a thing. Oh, maybe just whistle.” Then: “You know how to whistle, don’t you Steve? You just put your lips together, and blow.” (No tienes que decir nada y no tienes que hacer nada. Nada. Oh, tal vez sólo silbar". Entonces: Sabes cómo silbar, ¿no es así Steve? Sólo tienes que juntar los labios y soplar).

Las películas de Hawks no solo abarcan una amplia variedad de géneros, sino que con frecuencia se clasifican entre las mejores en esos géneros, ya sea la película de guerra ("The Dawn Patrol"), la película de gángsters ("Scarface"), la screwball comedy (Bringing Up Baby (1938)), la película de acción y aventura ("Only Angels Have Wings"), la noir (The Big Sleep (1946)), el western ("Red River") y "Rio Bravo"), la comedia musical (Los caballeros las prefieren rubias (1953)) y la épica histórica “Land of the Pharaohs” (1955)). Incluso participó en la creación de una de las películas clásicas de ciencia ficción, “The Thing from Another World” (1951), que fue producida por Hawks pero dirigida por Christian Nyby.
El genio de Hawks como director también se manifestó en la dirección de sus actores. El diálogo en sus películas a menudo se entregaba a un ritmo de manera cortante, uniforme e intenso y las líneas de los personajes con frecuencia se superponían, una marca registrada de Hawks. El sentimiento espontáneo de sus películas y la naturalidad de las interrelaciones entre los personajes se vieron reforzadas por su hábito de alentar a sus actores a improvisar. Hawks vio a sus actores principales como colaboradores y los alentó a ser parte del proceso creativo. Tenía un excelente ojo para el talento, y fue responsable de dar los primeros roles importantes a una lista de estrellas, incluyendo a Paul Muni, Carole Lombard, Lauren Bacall, Montgomery Clift, James Caan y a John Wayne algunos de sus mejores papeles en la trilogía de caballería de Fuerte Apache (1948), She Wore a Yellow Ribbon (1949) y Rio Grande (1950), en la que Wayne interpretó a una amplia gama de personajes diversos.

Una película de Hawks generalmente se centra en un grupo estrechamente vinculado de profesionales, a menudo aislados de la sociedad en general, que deben trabajar juntos como un equipo si quieren sobrevivir, y mucho menos triunfar. Sus películas enfatizan rasgos tales como la lealtad y el respeto por uno mismo. “Air Force” (1943), una de las mejores películas de propaganda que surgieron de la Segunda Guerra Mundial, es así, una unidad se une a bordo de un bombardero B-17 y el grupo es más que la suma de los individuos.

Los personajes principales de una película de Hawks suelen ser personas que toman sus trabajos con la mayor seriedad, ya que su autoestima está arraigada en su trabajo. Aunque a menudo son extraños o solitarios, los personajes hawksianos trabajan dentro de un sistema, aunque sea un sistema relativamente cerrado, en el que finalmente pueden triunfar siendo leales a sus códigos personales y profesionales. Ese paradigma temático ha sido visto por algunos críticos e historiadores del cine como una metáfora de la propia industria cinematográfica y del lugar de Hawks dentro de ella. Siempre evitó los formalismos estéticos los trucos fotográficos y narrativos de sus películas, no hay flashbacks, elipsis y la Cámara suele situarse a la altura de la mirada en los planos medios. Su genio se manifestaba en la dirección de actores de los cuales esperaba sus contribuciones personales y sus actuaciones se caracterizaban por la naturalidad dando la sensación de espontaneidad con los cuales los actores se animaban a improvisar las dinámicas de grupo, la amistad entre hombres, la profesionalidad y el tratamiento de la mujer independiente del hombre contribuiría enormemente a la riqueza de su obra.

Los críticos serios de los 30´s, 40´s y 50´s, atribuían el manto de "artista" a un director solo cuando podían discernir aspiraciones artísticas, un estilo visual personal o una intención temática seria. Hawks les parecía un director poco ambicioso que, a diferencia de D.W. Griffith, no había hecho una contribución importante al cine estadounidense, y no era responsable de ninguna innovación cinematográfica importante. Le faltaba el toque personal de un Charles Chaplin, un Hitchcock o un Welles, no tenía la sensibilidad pictórica de un John Ford y nunca había madurado hasta convertirse en el maestro artesano que abordaba temas pesados como el fracaso del sueño americano o el racismo, como George Stevens. Hawks fue visto como un director comercial de Hollywood que era lo suficientemente bueno como para producir entretenimientos de primer nivel en una amplia variedad de películas de género en una época en la que las películas de género como el melodrama, la imagen de guerra y la imagen de gángsters eran tratadas con falta de respeto.
Solo hacia principios de los años sesenta los críticos franceses de los Cahiers du cinéma, creadores de la nouvelle vague, redescubrieron el talento de Howard Hawks, llamaron a su técnica "invisible" y a la cámara "al nivel de los ojos" , por su capacidad de no sentir la presencia de la mano del autor, e identificaron algunos de sus temas y motivos característicos: la lucha entre los sexos, la determinación y la velocidad de acción, la camaradería, la colocación del héroe siempre en situaciones peligrosas o en situaciones-límite. Su estilo incisivo e irónico no se detuvo en el género brillante, sino que exploró los géneros más dispares, de la comedia al cine negro y al cine de guerra, del western al cine épico. Esta inusual capacidad de moverse con facilidad en diferentes estilos y lenguajes cinematográficos durante mucho tiempo lo privó de la identidad de "autor" y lo relegó a las filas de los profesionales honestos de Hollywood.

El gran cineasta francés Jean-Luc Godard, que comenzó su carrera cinematográfica como crítico, escribió sobre Hawks: "Los grandes cineastas siempre se atan a sí mismos cumpliendo con las reglas del juego... Tomemos, por ejemplo, las películas de Howard Hawks, y en particular 'Río Bravo'. Esa es una obra de extraordinaria perspicacia psicológica y percepción estética, pero Hawks ha hecho su película para que la perspicacia pase desapercibida sin inquietar al público que ha llegado a ver un western como todos los demás. Hawks es el más grande porque ha logrado encajar todo lo que más aprecia en un tema bien usado". Los franceses elevaron a Howard Hawks al panteón de grandes directores (la apreciación de Hawks en Francia, según el fundador de Cinématheque Francaise, Henri Langlois, comenzó con el lanzamiento francés de "Only Angels Have Wings". El suizo Éric Rohmer, que algún día se convertiría en un gran director, en una reseña de 1952 de "The Big Sky" de Hawks declaró: "Si uno no ama las películas de Howard Hawks, no puede amar el cine". Rohmer se unió en su entusiasmo por los Hawks a compañeros franceses como Claude Chabrol, François Truffaut y Jacques Rivette. Los críticos de Cahiers afirmaron que un puñado de directores comerciales de Hollywood como Hawks y Alfred Hitchcock habían creado películas tan ingeniosas y satisfactorias como las obras maestras del cine de arte. André Bazin, fundador de Cahiers du cinéma dio a estos críticos el apodo de "Hitchcock-Hawksianos".

Howard Hawks dirigió poco menos de cincuenta películas. Participó en un número de ellas como productor, guionista, argumentista, supervisor, co-director o, simplemente, como consejero. Fue el único director de cine con quien William Faulkner aceptó trabajar. Faulkner escribió para él cinco guiones y le ayudó en muchos más. Inventó el cine de gangsters con Scarface, llevó a su máxima perfección el cine negro con The Big Sleep, el western, con Río rojo, y la comedia con Bringing Up Baby. Dio su oportunidad a John Huston como guionista de El sargento York. Descubrió a Lauren Bacall y creó la inmortal pareja Bogart-Bacall en To have and have not, basada en una historia de su amigo Hemingway. Fue venerado por los mejores cineastas modernos: Truffaut, Rivette, Bogdanovich... Godard no dudó en calificarlo como «el más grande artista americano». El director de Belle Epoque (1992), Fernando Trueba escribió en el diario El País, “ningún cineasta como Hawks resume las virtudes del cine americano. Gracias a sus éxitos gozó de la absoluta confianza de los estudios y realizó su obra en una casi completa libertad, participando en todos los guiones de sus filmes y eligiendo él mismo sus argumentos.

Hawks manejó con maestría todos los géneros: gangsters, westerns, comedia, musical, aventuras, guerra, etcétera. Y en su obra figuran una quincena indiscutible de obras maestras. Los temas de su obra han sido citados múltiples veces: la amistad, la pareja, el trabajo en común, el peligro, el hombre corriente enfrentado a una situación excepcional, etcétera...Mucho se ha hablado del estilo de Hawks. No han faltado los habituales ciegos que: no han dudado en objetar que no lo tiene. Hawks busca una comunicación directa con el espectador. No quiere que éste vea, sino que viva. Cineasta de la acción por excelencia, sus películas son en sí mismas auténticas aventuras. Todo lo que entorpezca la acción es desechado por inútil. Hawks es el anti-gratuito. Sus planos son sencillos, no fáciles. Sus movimientos de cámara, necesarios. Hawks es el narrador puro. Su cine es el menos literario que pueda imaginarse. Hawks es un racionalista y un moralista. Sus comedias no son amables ni fáciles. Sus finales no son tranquilizadores. Hawks es, por el contrario, cruel y despiadado. Tierno cuando quiere. Sus comedias son aventuradas y excéntricas. En su afán de ir hasta el fondo, Hawks entra en el reino de lo absurdo. Pocos se han defendido en él con más elegancia e inteligencia. Sus diálogos son perfectos y cortantes, medidos. El hombre enfrentado a todo tipo de adversidades es el leit-motiv de una obra mucho más personal de lo que pueda creerse. Una obra marcada por el signo de la pureza y la vitalidad”.

La carrera de Hawks abarcó desde los días libres de los independientes originales en la década de 1910, a través del sistema de estudios en Hollywood desde la era silenciosa hasta los talkies, hasta principios de la década de 1970 con la muerte de los estudios y la aparición del director como autor, este último un fenómeno en el que el propio Hawks influyó directamente. Era el más versátil de los directores estadounidenses, y antes de su renacimiento crítico tardío de su carrera, se ganó una reputación como un artesano de primer nivel y un consumado profesional de Hollywood que simplemente, en un medio que es un proceso industrial, hizo grandes películas.

Entre los directores influenciados por Hawks se encuentran Robert Altman, quien utilizó el diálogo e improvisación superpuestos de Hawks en M*A*S*H (1970) y otras películas. Peter Bogdanovich, quien escribió un libro sobre Hawks, esencialmente rehizo Bringing Up Baby (1938) como What's Up, Doc? (1972). Brian De Palma rehizo "Scarface" (Scarface (1983)). Otros directores directamente en deuda con Hawks son John Carpenter y Walter Hill.

Cuando Hawks recibió el Oscar a su trayectoria, la Academia se refirió al director como "un gigante del cine estadounidense cuyas imágenes, tomadas en su conjunto, representan uno de los cuerpos de trabajo más consistentes, vívidos y variados del cine mundial". Es un epitafio apropiado para uno de los más grandes directores en la historia del cine estadounidense y mundial.