El Cine Silente o Cine Mudo es una de las formas más puras de cine. El hecho de que una historia tiene que ser contada únicamente con imágenes hace que se tenga que aprovechar la narrativa visual al máximo. De 1896 a 1903 se produce la génesis del cine. El Cine, considerado en sus comienzos un producto comercial de escasa entidad daba los primeros pasos hacia un futuro inimaginable y espectacular: Un prometedor campo de negocios, una técnica peculiar y una afluencia de público amplísima. Estos 3 objetivos se empezaban a lograr a partir de 1903.Según Román Gubern, la cronofotografía se desarrolló en Europa y en América. gracias a los trabajos de investigadores o de aficionados que vieron en la fotografía instantánea un precioso instrumento para estudiar los movimientos corporales del hombre y de los animales.

En junio de 1878, Eadweard Muybridge emprendió la tarea de averiguar mediante la fotografía instantánea, si un caballo al galope permanece en algún momento con sus cuatro cascos en el aire sin tocar el suelo. Muybridge creó series secuenciales de fotografías con 12 cámaras, a lo largo de la pista de carreras de una granja en Palo Alto, California. Los obturadores se disparaban automáticamente. Muybridge logro las primeras series de instantáneas consecutivas de un animal corriendo. Es decir, había conseguido el análisis fotográfico del movimiento. Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo.

El inventor francés Louis Le Prince logro filmar el 14 de octubre de 1888 en el jardín de la casa de sus suegros en Leeds, Yorkshire, Inglaterra, un cortometraje mudo de 1,66 segundos de duración que ha pasado a la historia como: Roundhay Garden Scene (escena del jardín de Roundhay). La escena está protagonizada únicamente por Adolphe Le Prince, Sarah Whitley, Joseph Whitley y Harriet Hartley. Es considerada la primera película de la historia del cine, convirtiendo a su autor en el creador de este. Le Prince se adelantó varios años a otras ilustres personalidades como Thomas Edison, que presentó el kinetoscopio en 1891, o los hermanos Lumiére, que expusieron el cinematógrafo en 1895.

En Francia, los Hermanos Lumière aprovechando el rollo de película, inventado por George Eastman, y la perforación de la película inventada por Edison, supieron combinar esos elementos e inventaron el mecanismo de arrastre de la película en un solo aparato, además de una proyección más fiable y de mayor calidad que las alcanzadas hasta el momento. Adquirieron un kinetoscopio y, tras estudiarlo en detalle, decidieron crear su propio dispositivo, más simple, que servía como proyector y como cámara y crearon una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla, dando lugar a la invención del "cinematógrafo", el cual patentaron, el 13 de febrero de 1895. A partir de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes como la jornada laboral en una fábricay la proyectaron en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el Salonindien du Grand Café, del boulevard des Capucinesen París, donde se encuentra actualmente el Café Lumière del Hotel Scribe.Elcinematógrafo no contaba con la capacidad de registrar sonido directo, solamente imágenes, pero esto ya alcanzaba para asombrar y cautivar a todos los presentes.Los cortos que componían aquella exhibición mostraban situaciones y personas de la vida diaria, pero el encanto residía en que se estaban moviendo. Aquel 28 de diciembre fue establecido como el día del nacimiento del cine, no solo porque fue la primera vez que se proyectaba públicamente una cinta, sino porque también daba inicio a la experiencia de ver cine. La salida de los obreros de la fábrica, sembraba la semilla del género documental, y la obra de los lumiere que más enloquecía a los espectadores era La llegada del tren a la estación de Ciotat. Todos gritaban al creer que la locomotora se les venía encima. Pese a su intención naturalista, fue el germen de la capacidad del cine para brindar emociones fuertes como miedo, adrenalina y risas, además, el corto de un jardinero al que le hacen bromas con su manguera, generando situaciones graciosas. Mediante estos gags nacía la comedia en la pantalla. Los lumiere habían tenido la visión para crear el cinematógrafo y para mostrar su funcionamiento, pero no pensaban en el alcance de su invención, lo veían como un medio para fines científicos.

 

 
El cinematógrafo había marcado una revolución que se extendió a proyecciones en las principales capitales europeas y pasó a formar parte de los entretenimientos de ferias.

 
Thomas Alva Edison (1847-1931)se dedicó a investigar la fotografía del movimiento y a él se debió el invento de la película de celuloide con perforaciones laterales para su arrastre. Esta cinta utilizada como soporte para las imágenes fotográficas, reunía las condiciones de ser flexible, resistente, transparente, además de inflamable. Suministrada a los laboratorios de Edison por la Casa Eastman Kodak a partir de 1889, los requisitos técnicos de esta película la hacían apta para circular entre una fuente de luz y una lente de aumento, de modo que un observador podía contemplar la circulación de las fotografías consecutivas. Utilizando este elemental principio, patentó Edison el Kinetoscopio en 1891,un sistema que permitía ver imágenes en movimiento, pero de manera individual. El kinetoscopio es considerado la primera máquina de cine y era ampliamente usado a principios de la década de 1890. Pronto se hizo popular en fiestas de carnavales y en atracciones. Las salas de kinetoscopio, que funcionaban con una moneda de cinco centavos, surgieron en Nueva York a finales de la década, y mostraba películas de unos veinte segundos: bailes, payasos, recreaciones de sucesos históricos, números de magia, musicales. El beso es una de las primeras secuencias grabadas por Thomas Edison. Se trata de un fragmento de una escena de teatro. En ella, los actores John Rise y Mary Irving, reproducen ante la cámara un fugaz beso de la obra de Broadway La viuda Jones. Aunque como cineasta, Edison hizo muy poco aporte artístico; fue uno de los primeros en entender el cine como una industria. Edison fue pionero en crear un estudio de cine: el Black María o Kinetographic Theater en New Jersey, una sala con techo que, al abrirse se permitía el paso de la luz solar y cuyo espacio podía girar para orientarse en función de los rayos solares.

Durante este proceso de evolución del cine, dedicado fundamentalmente a las invenciones técnicas para la proyección de imágenes en movimiento, pasamos a la configuración del lenguaje cinematográfico en la búsqueda y aportes a su técnica narrativa y volvemos a Francia donde aparece George Méliès (París, 1861—1938) mago, ilusionista, artista, escritor, decorador, dibujante, asistió a la función de los hermanos Lumiere del 28 de diciembre de 1895 y se interesó por el cinematógrafo, el cual quiso comprar. La famosa respuesta de Antoine Lumiere (padre de los hermanos) fue: “Señor Méliès, este invento no está a la venta y, además, para usted sería la ruina. Se puede explotar cierto tiempo como curiosidad científica, fuera de esto, no tiene ningún porvenir comercial”. Méliès, considerado como un “artista completo”, según la Cinemateca Francesa, es reconocido por sus aportes a la técnica de los efectos especiales con sus películas de principios del siglo XX como El hombre de las mil cabezas (1898), El hombre orquesta (1900), Viaje a la luna (1902), Viaje a través de lo imposible (1904) y A la conquista del Polo (1912).Méliès lideró muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía, entre los que destacan el uso de efectos especiales y la creación de algunas de las primeras películas de ciencia ficción. En El hombre de la orquesta (1900), Méliès refleja el artista transversal que fue: dibujante, pintor, caricaturista, ilusionista, escenógrafo, humorista, escritor, actor, técnico, amante de la fantasía. El cineasta francés le abrió las puertas del cine a la magia cuando este era netamente documental y no de ficción, dice Laurent Mannoni, quien explica que en las primeras etapas del cine, a principios del siglo XX, Méliès logró combinar los universos del mago Jean-Eugène Robert-Houdiny la cinematografía de los hermanos Lumière, padres del cine documental.“Todo el conjunto de obras de Méliès brilla por su fantasía dinámica, su imaginación sin límites y su alegría irresistible. Los mundos que creó eran intensos, una mezcla única de fantasmagoría, perversidad, ilusiones, llamas, humo y vapor”, dijo Mannoni. Méliès logró crear en pantalla escenas nunca vistas en los escenarios como “cuerpos mutilados, aplanados y estallados; cabezas separadas de extremidades mientras las víctimas aún estaban vivas; duplicaciones; empalmes de sustitución; transformaciones; personas y objetos que levitaban”. Entre sus trucos más famosos y futuristas están la transposición de personas, en la que Méliès se grababa a sí mismo varias veces en el mismo negativo y se duplica (El Hombre Orquesta de 1900), o cuando detuvo la cámara para cambiar personajes en Las cartas vivientes de 1905, o la desaparición de objetos en pantalla en El hombre de las mil cabezas (1898).George Mélies fue realmente el primer gran creador del cinematógrafo, superando la visión poco ambiciosa de los hermanos Lumiere. Trasladó sus espectáculos de feria a las imágenes filmando sus propias representaciones y originando después un género imperecedero, el Film Fantástico. Influido por la estética teatral, su genialidad le llevó a idear numerosos trucos y gags sin los cuales la técnica y el lenguaje del arte cinematográfico no hubiera progresado. Los temas a medida que superó la prestidigitación eran historias populares, ilustraba el pasado francés o de otros países y realizaba fantasías futuristas.
El nacimiento rápido de la industria cinematográfica, el gran crecimiento del mercado del Film a través de las sociedades: Pathé y Gaumonty el fin de la Gran Guerra, impusieron otra economía y otras estructuras del cine, “un cine más realista, menos soñador” en el que Meliès quedó obsoleto, relata la Cinemateca Francesa.

El aporte de Inglaterra al cine silente fue la Escuela de Brighton. Favorecidos por la expansión del cine de feria, losdirectores ingleses se multiplicaron y desarrollaron técnicas como la utilización del primer plano, la profundidad de campo, panorámicas, escenarios en exteriores que se utilizaron de manera más completa por James Williamson y G.A. Smith, quienes vivían en Brighton, donde fueron fotógrafos de playa y posteriormente se convirtieron en fotógrafos de noticieros. Esta escuela manejaba los temas con cierto realismo social, la búsqueda de una técnica de vanguardia y la tendencia a los asuntos sociales, en los límites de un conformismo indudable, caracterizan al cine inglés de 1902.

En 1903, el Norteamericano Edwin S. Porter (1870-1941), hizo una película llamada Life of an American Fireman (1903) (La vida del bombero americano), y con ella hace un valioso aporte a la técnicanarrativa. Porter se dio cuenta de que se podía contar una misma historia desde diferentes puntos de vista para profundizar el interés de la audiencia en la imagen. La vida del bombero americano es una historia simple de bomberos que salvan a una mujer de un edificio en llamas, pero es la forma en que se cuenta lo que lo hace tan importante. La primera parte de la película se cuenta desde la perspectiva de la mujer dentro de la casa cuando los bomberos vienen a salvarla. Porter luego rebobina la historia y mueve la cámara al nivel de los bomberos fuera de la casa y observamos lo que ven. La obra maestra de Porter es: The Great Train Robbery (1903) “Asalto y robo de un tren”, quetiene un valor crucial.Es la primera película de acción, el primer Western, y presenta dos novedades técnicas. Es la primera en utilizar el montaje paralelo para que los espectadores pudieran ver dos acciones ocurriendo al mismo tiempo y el primer plano medio para mostrar de la cintura para arriba.El Film se habría quedado relegado a un nuevo producto comercial si Porter y otros no hubiesen descubierto la facultad que tiene un film de poder ser cortado y recompuesto, para hacer un relato narrativo y expositivo con el montaje, gracias al cual la película adquiere vida. La intensidad y el refinamiento del montaje son los índices de la capacidad de un director y ese fue el gran legado de Edwin S. Porter.

Con el advenimiento del siglo XX, el cine experimentó algunos cambios notables, como: la longitud de duración del Film, a las películas se le añadieron subtítulos o carteles con la finalidad de orientar al espectador ante determinadas situaciones, la aparición de los actores sin un diálogo prescrito o definido y el sonido ambiente, que solo se limitó a la musicalización. En la década de los 1910, se introdujo la música dentro del cine mudo, en especial las detonó cómica y romántica, dando un enfoque distinto en la cinematografía. Con estas representaciones dio un paso evolutivo hacia la música incidental que es la música utilizada para acompañar obras de teatro, programas de radio, películas y televisión, y es a menudo una parte muy importante de una producción, especialmente en el mundo del cine. Más tarde llegaría el technicolor, concretamente en 1916, y fue mejorado a lo largo de varias décadas. No obstante, la recesión económica durante la Gran Depresión impactó en la industria cinematográfica y en especial los costos de mantenimiento de las técnicas a color. por lo tanto, se regresó a los estándares básicos en blanco y negro, mientras la economía mundial estaba en proceso de recuperación.

Rodolfo Izaguirre, en su obra Historia sentimental del cine norteamericano,nos dice: “En el verdadero comienzo, en los primerísimos años del siglo, Thomás Alva Edison posee y controla las principales patentes cinematográficas. La mayor parte de los empresarios de cine son inmigrantes, eslavos y balcánicos que regentan tarantines de feria, donde por una simple moneda el parroquiano podía disfrutar de una brevísima proyección fílmica. Estos oscuros negociantes del cine eran entre otros, un tintorero húngaro llamado William Fox, cuatro polacos: los hermanos Warner, un bodeguero alemán: Carl Laemme, y un húngaro, vendedor de pieles: Adolf Zukor. Frente a las maquinaciones monopolísticas, una firma denominada Los independientes (Independent Motion Pictures (IMP) alía a Fox, los Warners, Loew, y Zukor para impedir que Edison se apodere de las salas de exhibición. Estos hombres tratarán de dirigir sus esfuerzos hacia la producción cinematográfica para sustraerse al monopolio Edison. Por eso, a mediados de 1909, los independientes deciden abandonar Nueva York y marchar hacia el oeste, hacia la dorada California, para liberarse definitivamente de intrigas y persecuciones judiciales. Allí instalan sus estudios, unos cuántos galpones en un área de 25 millas cuadradas, al oeste de Los Ángeles en una pequeña aldeallamada Hollywood”.

En 1915, la industria cinematográfica de Hollywood empleaba a unos 15.000 trabajadores, y más del 60% de la producción estadounidense se centraba allí. Ese mismo año, la revista especializada Variety informó que la inversión de capital en el cine estadounidense, el negocio de artesanos y feriantes sólo una década antes, había superado los 500 millones de dólares. Las empresas más poderosas del nuevo capital cinematográfico eran las independientes, rebosantes de efectivo tras su conversión a la producción de largometrajes. Entre ellas figuraba la FamousPlayers-LaskyCorporation (más tarde Paramount Pictures, hacia 1927), formada por la fusión de la Famous Players Company de Zukor, la Feature Play Company de Jesse L. Lasky y la FamousPlayers Company de Zukor. Lasky's Feature Play Company y la bolsa de distribución de Paramount en 1916; Universal Pictures, fundada por Carl Laemmle en 1912 mediante la fusión de IMP con Powers, Rex, Nestor, Champion y Bison; Goldwyn Picture Corporation, fundada en 1916 por SamuelGoldwyn y Edgar Selwyn; Metro Picture Corporation y Louis B. Mayer Pictures, fundadas por Louis B. Mayer en 1916. Mayer Pictures, fundadas por Louis B. Mayer en 1915 y 1917, respectivamente; y Fox Film Corporation (más tarde Twentieth Century-Fox, 1935), fundada por William Fox en 1915. Tras la Primera Guerra Mundial, a estas empresas se unieron Loew's, Inc. (sociedad matriz de MGM, creada por la fusión de las empresas Metro, Goldwyn y Mayer antes citadas, en 1924), una cadena nacional de exhibición organizada por Marcus Loew y Nicholas Schenck en 1919; First National Pictures, Inc, un circuito de exhibidores independientes que establecieron sus propias instalaciones de producción en Burbank, California, en 1922; Warner Brothers Pictures, Inc, fundada por Harry, Albert, Samuel y Jack Warner en 1923; y Columbia Pictures, Inc, constituida en 1924 por Harry y Jack Cohn y Joe Brandt.

Con el estrenó de“El nacimiento de una nación” en 1915. David W. Griffith creó el lenguaje cinematográfico. Una de las películas más controvertidas de la historia del cine y su impacto en el séptimo arte todavía se puede ver hoy. Con 3 1/2 horas de duración y una partitura escrita por Griffith, la película recaudó más de $ 60 millones en taquilla, haciendo aportes fundamentales en el apartado técnico, su puesta en escena, sus deslumbrantes decorados, su sobrecogedora música, sus sorpresivas escenas de acción, la ruptura con arquetipos argumentales y líneas de lenguaje cinematográfico imposibles para la época.Esta obra cimento las técnicas narrativas poniendo las bases de la fotografía y la edición que hasta el día de hoy se siguen utilizando. La utilización y organización de los planos deliberadamente evoca fuertes emociones que Griffith logra transmitir hasta el día de hoy. Secuencias como el asesinato de Lincoln son una muestra perfecta de cómo se debe de contar una historia visualmente. Griffith es el padre del cine norteamericano.

Mientras evolucionaba la industria cinematográfica en EE. UU., se desarrollaba la vanguardia francesa (AvantGarde), los expresionistas alemanes yla Escuela Soviética de Cine. Los primeros soviéticos, DzigaVértov, Kuleshov y Sergei Eisenstein fueron tres de los miembros más importantes de esta escuela que hicieron aportes fundamentales al elemento de “La edición”. Sergei Eisenstein fue uno de los primeros directores que editaba sus propias películas y se dio cuenta del enorme poder que tenía el orden y el ritmo de los Fotogramas y en lugar de editar de forma invisible creó un estilo rápido e impactante que, así como crear metáforas y simbolismos, también evocaba fuertes emociones.

Una corriente esencial del cine que se caracterizó por la innovación técnica fue el expresionismo alemán, cuyo realizador Friedrich Wilhelm Murnau movió la Cámara como nunca antes se había hecho y fue uno de los directores que empezaron a afianzar el plano secuencia como uso común. Cada película suya marcó un antes y un después en el cine y entre sus obras más destacadas se encuentran Nosferatu, la última risa, Fausto y Amanecer. Así mismo“Metrópolis” es una de las últimas películas de la etapa del cine silente y una de las últimas del denominado expresionismo alemán. Filmada en 1927, fue dirigida por el austriaco Fritz Lang, uno de los cineastas más notables del expresionismo y de los más influyentes de la historia del cine. Metrópolis esuna obra definitiva del cine Silente con impresionantes sets y el diseño de producción que no tuvieron paralelo en su momento.

Entre los elementos icónicos de la época silente, los actores son quizás con los que el público más se identifica, Charlie Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd fueron actores que sentaron los cimientos de la comedia. En el drama, mujeres como Lilian Gish, Mary Pickford y Maria Falconetti se llevaron todos los reflectores.

Pero quizás es el género de horror y la fantasía en donde muchos de los actores más destacados se desenvolvieron como los alemanes Emil Jannings y Max Shrek fueron actores icónicos de la época, así como el hombre de las 1000 caras, Lon Chaney que no solo cambiaba en cada uno de sus roles con ayuda de prótesis y maquillaje, sino que con grandes actuaciones físicas y fuertes expresiones detrás de ese maquillaje, lograba evocar grandes emociones y llevar a sus personajes y criaturas a lugares más humanos.

Entre las películas mas representativas del cine silente, además de El nacimiento de una nación de Griffithdescrita arriba, El gabinete del doctor Caligari, de Robert Wiene, es una de las cintas más espectaculares del cine y una perfecta introducción a la época silente y una cinta crucial del expresionismo alemán. Su diseño de producción y la cinematografía son únicas e innovadoras y enseñan que el expresionismo puso las bases del cine de terror gótico y además tiene uno de los guiones más inteligentes, con uno de los primeros, Plot Twist en la historia del cine. Nosferatu, film del maestro Friedrich Wilhelm Murnau y una manera perfecta de entrar al mundo del cine silente, ya que la historia es muy familiar para todos, siendo está basada en la obra literaria del Irlandes Bram Stoker: Drácula y muestra innovaciones en la forma de mover la Cámara.

En la época silente, hubo 3 comediantes que destacaron sobre los demás, Charlie Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd, el último, a pesar de no haber sido director, era el más famoso de los 3 en los años 20. Safety Last de 1923 nos lo demuestra en la escena que el personaje de Joe escala un edificio y es una de las escenas más emblemáticas en la historia del cine. En 1924, cuando salió el Ladrón de Bagdad, obra admirable de Raúl Walsh, nadie había visto una historia fantástica, tan épica en la pantalla grande. Acción vertiginosa, sets impresionantes, evocando a la antigua Arabia, monstruos, alfombras voladoras y, por supuesto, un héroe tratando de conquistar el corazón de la princesa. Es difícil pensar que hubo una época en la que esto no existiera, pero en 1924 no había nada igual. La película, además, cuenta con la actuación de un carismático Douglas Fairbanks, una leyenda que se destacó por el género del swashbuckle, un género de aventura que se caracterizaba por sus héroes rápidos y acción con espadas.Algunos ejemplos de este género son: Robin Hood, La marca del zorro, El pirata negro y todas protagonizadas por Fairbanks. Pocas obras han moldeado tanto al cine como el acorazado Potemkin de Sergei Eisensteiny en especial la secuencia de la escalera de Odessa, una de las secuencias más estudiadas en la historia del cine.Si Griffith creía que el montaje debía de ser lo menos llamativo posible para darle fluidez a la narrativa, en cambio, Eisenstein creía que el montaje era una herramienta creativa para crear profundidad y emociones. Búster Keatonfue uno de los 3 grandes de la comedia en el cine Silente. Además de ser el protagonista de sus películas, era director y el principal motor creativo de sus proyectos. Creaba secuencias impresionantes donde muy pocas veces usaba dobles. La carrera de Keaton gozó de incontables éxitos críticos, así como aclamación del público y hoy en día The General (1926) es una película que se ha ganado su lugar en los clásicos del séptimo arte por su épica producción y su innovadora comedia física.Si hablamos de grandes maestros del cine Carl Theodore Dreyer logro una de las cintas más innovadoras del cine silente con la pasión de Juana de Arco, cinta francesa que relata las últimas horas de la doncella de Orleans. Esta película tiene varios elementos quemarcan un antes y un despuésdel cine. La Cámara de Dreyer es una de las más arriesgadas de la época, con muchos close ups, tomas cerradas, ángulos poco convencionales, así como largos y continuos movimientos de Cámara, algo que se había visto muy poco hasta ese momento y la magistral actuación de Maria Falconetti que eleva la película con niveles emocionales nunca antes vistos en un drama silente.

Y, por último, “Luces de la Ciudad”(1931), una película icónica del cine silente. Escrita, actuada, dirigida y producida por uno de los mejores cineastas de la historia del cine americano y mundial: Charlie Chaplin, el cual se resistía a incorporar el sonido por completo en sus películas y con Luces de la Ciudad nos demostró porque el cine silente todavía tenía mucho que dar. En esta película utiliza muy sutilmente el recurso del sonido, y nos deslumbra con su comedia física y visual. En la historia del cine, muy pocos cineastas han reunido la condición de productor, director, guionista, actor y compositor, y cuando un cineasta, además de reunir estas condiciones, ha creado un personaje perdurable y conmovedor como Charlot, estamos en presencia de un Genio, de un Maestro del Cine.Luces de la Ciudad es una de sus obras maestras y tal vez la más hermosa, compasiva y humana. Chaplin, la produjo, dirigió, escribió, actuó, compuso la música y su protagonista fundamental es el personaje creado por el, llamado “TheTramp”, “El Vagabundo”, o “Charlot”. Chaplin empieza a rodar City Lights en 1928, una película silente, un año después de la aparición del cine sonoro. Le llevo 3 años rodarla y se estrena en 1931 en pleno auge de las películas habladas, por lo que City Lights es un desafío de Chaplin a la moda, a la corriente, y a la industria del cine. Él era un fiel creyente del cine mudo, había aprendido a decirlo todo sólo con imágenes, y algunos subtítulos, pero estaba consciente que el público quería películas sonoras. Las películas mudas ya constituían un anacronismo. El consideraba que el cine silente había venido a estropear el arte más antiguo del mundo, el arte de la pantomima, y aniquilaba la gran belleza del silencio.En este solapamiento de técnicas cinematográficas, como hacer con ese personaje creado por Chaplin,y que protagonizo muchas de sus obras maestras,¿Es posible que “el vagabundo”, “thetramp” o “Charlot” hable?, no, es imposible, seria desnaturalizar su gran obra, su gran creación. El “vagabundo” permitía a Chaplin, dominar la disciplina de comunicarse sin palabras, a través de las facciones de la cara, el movimiento de los hombros, la forma de caminar. Según Roger Ebert, “Si se conservase sólo una de las películas de Charles Chaplin, “Luces de la ciudad”, representaría al máximo todos los matices de su genio. Contiene las payasadas, el patetismo, la pantomima, la coordinación física sin esfuerzo, el melodrama, la picardía, la gracia y, por supuesto, al Pequeño Vagabundo, el personaje del que se dijo fue la imagen más famosa de la Tierra”. Las películas de Charles Chaplin no pasan de moda. A pesar del paso del tiempo y de ser tesoros del cine mudo, muchas de sus historias siguen vigentes y llenas de actualidad.

Gracias al cine silente o cine mudo, se logró crear el Cine como el séptimo arte, una de las manifestaciones artísticas mas completas de la humanidad.

Como dijo Georges Sadoul, “El Cine es un arte. La actuación de los intérpretes,la construcción de decorados,la variedad de los trajes,la calidad de la fotografía, la humanidad de los relatos, la perfección de la técnica, la verdad y la poesía de la escenificación, la realidad de los sentimientos, la armonía de la música,pueden lograr un film tan valioso como las más grandes obras del genio humano. El cine se ha formado medios propios combinando los de casi todas las artes: novela, teatro, pintura, arquitectura, música, poesía, etcétera” y el Cine Silente contribuyo de manera sustancial al Cine como Arte.