Influenciado al principio de su carrera por el movimiento neorrealista, desarrolló sus propios métodos distintivos, que superponían imágenes oníricas o alucinatorias a situaciones cotidianas. Enriquecía enormemente el vocabulario del cine y fue pionero en un estilo personal de hacer cine que ahora forma parte integral de su práctica.

Federico Fellini nació el 20 de enero de 1920 en Rímini, una ciudad costera del norte de Italia. Desde pequeño mostró interés por la escritura, el dibujo y la narración de historias. Mientras cursa los estudios de Bachillerato, el futuro director comienza a ser conocido como caricaturista. A partir de los primeros meses de 1938 empieza a colaborar con el periódico "La Domenica del Corriere".

En 1939, a los 19 años, se traslada a Roma, bajo el pretexto de matricularse en Derecho. En aquel período trabaja en la redacción de Marco Aurelio, una famosa revista satírica, adquiriendo cierta notoriedad gracias a centenares de trabajos que publica firmados por él mismo. Se relaciona con ambientes de espectáculo de variedades, escribiendo monólogos para el cómico Aldo Fabrizi, y comenzó a enviar artículos. Varios artículos se reciclaron en una serie de radio sobre los recién casados “Cico y Pallina”. Pallina fue interpretada por la estudiante de arte dramático Giulietta Masina, que se convirtió en su esposa en la vida real desde el 30 de octubre de 1943 hasta su muerte, medio siglo después, y fue protagonista de varias de sus películas más emblemáticas. Su relación fue una fuente de inspiración constante y se refleja en sus obras más íntimas. Al redactar los guiones de las películas de Fabrizi y de otros, el director, muy pronto destaca como guionista.

Junto con Roberto Rossellini, quien se convierte en su íntimo amigo, trabaja en “Roma cittá aperta”, una obra fundamental del neorrealismo italiano, e inmediatamente después en “Paisá”.

Fellini dió el salto a la dirección y debutó con Luces de variedades (1950), codirigida junto a Alberto Lattuada, película que ambos autoproducen y salen de esta aventura llenos de deudas.

 

Se lleva un chasco también con su primera película “El jeque blanco” (1952), pero el éxito llega con “Los inútiles” (1953), que le vale un León de Plata en Venecia, además del éxito decisivo de Alberto Sordi.

 

Los años siguientes están llenos de triunfos como “La Strada” (1954), con Giulietta Masina, con el que consigue un merecido Óscar a Mejor Película Extranjera y mostró su habilidad para mezclar realismo y fantasía, y que harán de Fellini un respetado y admirado director de cine. Entre sus películas más destacadas se pueden mencionar: “Las noches de Cabiria” (1957, otro Óscar), “La dolce vita” (1960, Palma de Oro en el Festival de Cannes) una crítica feroz y poética a la sociedad romana que revolucionó el cine contemporáneo, “Ocho y medio” (1963, Óscar), “Satiricón” (1969), “Roma” (1972), “Amarcord” (1973, Oscar), “El Casanova” (1976), “Ensayo de orquesta” (1979), “Ginger y Fred” (1985), “La entrevista” (1987, premio por los cuarenta años del Festival de Cannes y gran premio del Festival de Moscú), “La voz de la luna” (1990). Fellini representa uno de los directores de cine que recibió más Premios Óscar, en concreto cinco, y la Palma de Oro en Cannes.



La vida y los sueños eran la materia prima de sus películas. Su Rimini natal y personajes como Saraghina (la mismísima diablesa, según decían los sacerdotes que dirigían su colegio) y la granja Gambettola de su abuela paterna aparecerían en varias películas. Su padre, Urbano Fellini, vendedor ambulante, apareció en La Dolce Vita (1960) y 8½ (1963). Su madre, Ida Barbiani, era de Roma y lo acompañó allí en 1939. Se matriculó en la Universidad de Roma. Intrigado por la imagen de los reporteros en las películas estadounidenses, probó el papel de periodista en la vida real y llamó la atención de varios editores con sus caricaturas y dibujos animados.

En sus mejores momentos, sus películas logran un equilibrio perfecto entre la fantasía y la realidad, y en ningún lugar es más evidente que en su clásico 8½. Fellini expuso en una ocasión los requisitos básicos para ser director de cine. Entre ellos, la curiosidad, la humildad ante la vida, el deseo de verlo todo, la pereza, la ignorancia, la indisciplina y la independencia. Aunque probablemente todas estas cualidades impregnen sus películas, es su curiosidad y su apertura al mundo lo que encanta, como dijo una vez, su "inmensa fe en las cosas fotografiadas", la sensación de que el cine puede permitir un momento de comunión entre el espectador y las cosas, entre usted y un rostro humano. En lo que respecta a las personas y los lugares, Fellini dijo de sí mismo: "Mi capacidad de asombro es ilimitada... No soy insensible a nada". Es cierto que el caos está ahí, pero es creativo; posee el inmenso donde no conformarse nunca con una visión fija de la vida. No condena a nadie. Como sugirió, sus películas son juicios, pero vistos por un cómplice, más que por un juez. Se nutrió de una cultura genuinamente popular: los cómics como Flash Gordon y el circo. Su cine pertenece a la feria, no al museo. Los cómics fueron una influencia fundamental para él, no escribía sus películas, sino que las dibujaba, haciendo bocetos, garabatos y diseños que abrieran el espíritu de la película. Para Fellini, sin embargo, el cine significaba un espacio libre para la fantasía y la memoria, y una forma en la que la fantasía podía transformar la memoria en una mentira seductora y veraz.

 

Aunque todo el arte tiene sus raíces en una vida, es sorprendente el escaso número de cineastas expresamente autobiográficos: Woody Allen, Andrei Tarkovsky en Mirror, Bill Douglas y unos pocos más. Fellini, que a menudo se identifica con su obra, es quizás el más notable de este selecto grupo. Una "vena autobiográfica" recorre muchas de sus películas, cada una de ellas encapsulando una etapa de su vida. Sin embargo, al ver sus películas nadie debe pensar que está conociendo los hechos de Fellini. Nunca dejó que los hechos se interpusieran en el camino de una buena historia. Sus películas nos seducen con la invención de una vida, lo maravilloso convertido en maravilloso; no las pequeñas verdades de la anécdota, sino la evocación de cómo podría haber sido. Bailan alrededor de la línea divisoria entre lo imaginario y lo real. Fellini decía: hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños; los años pueden pasar en un segundo y se puede saltar de un lugar a otro. Es un lenguaje hecho de imagen. Y en el cine real, cada objeto y cada luz significan algo como en un sueño.

-En sus primeras películas, los personajes tienen la fuerte sencillez de los niños o la complejidad de los taimados; son niños o estafadores. Los mejores inocentes de todos son los interpretados por su mujer, Giulietta Masina, en La Strada (1954) y Las noches de Cabiria (1957). 

Ambas películas son gloriosas. En este caso, la comedia de Fellini -como la mayoría de las grandes comedias- funciona rompiendo nuestros corazones y encontrando todavía la capacidad de esperanza silenciada. El gran problema de sus personajes es la soledad. Su solución, cuando puede ser inventada, es la conexión entre las personas, incluidas las parejas más improbables. Masina es el alma de estas historias, una actriz dotada de uno de los rostros más expresivos y vitales jamás vistos en la pantalla. En ambas películas es una santa tonta, una payasa y una golfa feliz (Gelsomina y Maria 'Cabiria' Ceccarelli). A medida que avanzaba su carrera, las películas de Fellini se volvieron cada vez más alucinantes. Fellini fue un director fiel a sí mismo, a sus constantes obsesivas, a sus anhelos artísticos, a sus experimentos visuales dotados de una singular poesía que escondían la mirada, que nunca dejó de ser, del pequeño provinciano deslumbrado con la gran ciudad.

El cine de Fellini se caracteriza por su riqueza visual, personajes extravagantes y una atmósfera surrealista donde la realidad se mezcla con la imaginación. Películas como 8½ (1963) y Amarcord (1973) son claros ejemplos de su capacidad para explorar los sueños, la memoria y la identidad. Federico Fellini redefinió para siempre al cine italiano y construyó un sueño onírico y fantástico que supo interpretar la identidad de toda Italia, su influencia se extiende desde directores italianos hasta cineastas internacionales como Martin Scorsese y Woody Allen.

Hay 3 películas que retratan la cinematografía de Fellini:

La Strada (1954), es una de las obras más emblemáticas de Fellini y un pilar del neorrealismo tardío italiano. Narra la historia de Gelsomina, una joven ingenua vendida por su madre a Zampanó (Anthony Quinn), un artista ambulante violento y primitivo. Juntos recorren los caminos de Italia en una relación marcada por la dependencia, la brutalidad y una profunda tristeza. La llegada de Il Matto (“El loco”), un equilibrista alegre y filosófico, introduce una dimensión espiritual que transforma la vida de Gelsomina. La Strada tiene elementos de: Soledad y vulnerabilidad, la crueldad y la redención, la condición humana como viaje incierto y la tensión entre brutalidad y pureza. Tiene un estilo poético, austero, con una música inolvidable de Nino Rota. Giulietta Masina ofrece una de las actuaciones más conmovedoras del cine europeo.

La Dolce Vita (1960), es una comedia dramática y satírica. La película sigue a Marcello Rubini, un periodista de crónica social interpretado por Marcello Mastroianni, durante siete días y siete noches en Roma, mientras se sumerge en la vida nocturna, la fama, el deseo y la decadencia de la alta sociedad. La estructura del filme —un prólogo, siete episodios y un epílogo— funciona como un viaje moral y existencial. Su argumento esencial es Marcello, atrapado entre su ambición profesional y su vacío emocional, recorre fiestas, mansiones, clubes nocturnos y encuentros amorosos. A través de estos episodios, Fellini muestra: La superficialidad del mundo del espectáculo, la crisis espiritual de la modernidad, la búsqueda frustrada de sentido y la tensión entre el deseo y la culpa. La película abre con una imagen icónica: un helicóptero transportando una estatua de Cristo sobre Roma, seguido por el helicóptero de periodistas que se distraen coqueteando con mujeres en bikini. Esa mezcla de lo sagrado y lo banal define todo el tono del filme. Entre sus temas están, la decadencia moral y social, el vacío existencial en la sociedad del consumo, la fama como espejismo, la imposibilidad de la redención personal y el choque entre lo espiritual y lo mundano.

En la película hay imágenes icónicas como la Fontana di Trevi con Anita Ekberg, la fotografía en blanco y negro de Otello Martelli, la música de Nino Rota y un tono que mezcla sátira, melancolía y poesía visual. La película ganó la Palma de Oro en Cannes en 1960 y es un retrato monumental de la modernidad: brillante en la superficie, vacía en el fondo, y filmada con una belleza que sigue siendo hipnótica.

Amarcord (1973), es una serie de viñetas cómicas y nostálgicas ambientadas en un pueblo costero italiano de los años 30, durante el ascenso del fascismo. Fellini reconstruye su adolescencia a través de personajes excéntricos, escenas memorables y una mezcla de humor, ternura y crítica social. FilmAffinity la describe como una “crónica de la vida cotidiana en un pueblo del norte de Italia durante el fascismo”. Entre sus temas están, la memoria y la nostalgia, la vida comunitaria en la Italia provincial, la irrupción del deseo y la adolescencia y la sátira del fascismo. Tiene un estilo colorido, exuberante, lleno de personajes grotescos y entrañables. Es una de las películas más queridas de Fellini y ganadora del Óscar a mejor película extranjera.

 
En los años ochenta y noventa, aunque realizó menos películas, Fellini siguió experimentando con nuevos temas y técnicas.

Falleció el 31 de octubre de 1993 en Roma a los 73 años dejando tras de sí un legado artístico que sigue inspirando a generaciones enteras. Fue un gigante y un maestro del cine, uno de los cineastas más influyentes y creativos del siglo XX, con una muy particular visión del mundo, un sentido poético de la realidad, que pintaba a través de la construcción cinematográfica desarrollando un tema, sincronizando y uniendo imágenes visuales muy estilizadas, música, movimientos de cámara y de actores dejando una obra maravillosa y única. Sus películas han dejado una huella imborrable en la historia del cine, convirtiéndolo en un referente mundial y símbolo de la cultura italiana.